Cajas de Rapé

Esnifar rapé o tabaco en polvo es un hábito que se introduce en Europa con los viajes españoles y portugueses a las Américas. Tan singular costumbre se extendió con rapidez y, ya desde le siglo XVII, convirtió a las cajas destinadas a guardarlo en auténticas joyas. Elaboradas en madera tallada, marfil, esmaltes, carey, oro, plata o porcelana, esas preciosas cajitas fueron incluso una seña de identidad para la aristocracia dieciochesca. Hoy representan un objeto de colección codiciado y especial por las posibilidades que ofrecen.

Caja de Rapé

Caja de Rapé

El descubrimiento de este tipo de tabaco en América y su llegada a Europa supuso para las clases pudientes del momento toda una moda irresistible y en muchos casos relacionada con fines incluso terapéuticos. Fue durante el siglo XVIII cuando el rapé se convirtió, sin duda, en un hábito muy extendido entre los círculos aristocráticos europeos, ya que en aquellos años el aumento del precio del tabaco dejó su disfrute al alcance de unos pocos.

Pero el consumo del rapé no consistía sólo en esnifar sin más, este hábito conllevaba una serie de instrumentos donde la cajita o tabaquera de rapé se convirtió pronto en la máxima protagonista. Muchos de los caballeros o señoras que consumían rapé completaban el conjunto con un rallador, una cucharita para poder coger el polvo de la caja, filtros y hasta una pata de liebre para poder limpiarse la nariz después de haber esnifado el tabaco.

Estas cajas son muy apreciada por coleccionistas, entre otras cosas, por su pequeño tamaño, algo que permite que su almacenaje y exhibición sea fácil, y la variedad en cuanto a materiales y diseños que podemos encontrar en el mercado. Estas cajas originalmente eran de madera tallada, marfil, hierro, plata u oro. Durante el siglo XVIII, los ejemplares de plata y oro fueron a menudo decorados con atractivos esmaltados. También se fueron añadiendo materiales como el carey, el cristal de roca o algunas piedras preciosas. Según las necesidades de sus propietarios, los tamaños de estas cajas también variaban. Las destinadas al uso de las señoras solían ser más pequeñas que las de los caballeros para que su transporte fuera aún más sencillo en bolsillos o bolsos. Otros ejemplares más grandes se reservaban para ser colocados generalmente sobre una mesa en alguna estancia destacada de la casa.

La funcionalidad de estas cajas también es un requisito importante a tener en cuenta. Debían ser, además de bellos objetos, recipientes que mantuvieran el tabaco seco y en buenas condiciones para su consumo. La mayoría de estas cajas de tabaco tenían un bisagra colocada  en la parte exterior para evitar que el fino polvo de tabaco la obstruyera y se pueda así cerrar herméticamente.

Otro tipo de cajas especialmente interesante son las cajas con micromosaicos. Estos micromosaicos italianos, hechos y comprados en Roma por los viajeros del Gran Tour, eran después incluidos como elemento decorativo en las tapas de las cajas francesas o inglesas.

Las cajas en plata inglesa son también unas de las más especiales. Durante el siglo XVIII, en los talleres ingleses se perfeccionan las técnicas de cincelado y grabado en estas piezas con motivos decorativos tan característicos como los de castillos o abadías.

También son un reclamo muy apreciado por los compradores las piezas conmemorativas, algunas de grandes hazañas bélicas o de héroes que participaron en ellas. Algunos ejemplares americanos cumplen estas características y son una curiosa compra.

CONSEJOS DE COMPRA

• Desconfíe de ejemplares con bisagras demasiado toscas e interiores o piezas que no cierren bien, pues podrían ser simples imitaciones.
• Valore el estado de conservación de la misma, busque superficies limpias, sin arañazos ni abolladuras en el caso de las piezas metálicas.
• Si la caja presenta decoración pintada, compruebe que el diseño no presente líneas duplicadas, ellas pueden indicar que realmente se trata de una impresión calcada con máquina y, por tanto, no sean ejemplares antiguos.
• Compruebe que placas decorativas o dibujos no hayan sido tampoco añadidos con posterioridad, pues devaluará la pieza.

NO CONFUNDIR CON OTRAS CAJAS DE COLECCIÓN

• Cajas de Lacre. Se trata de recipientes cilíndricos en oro con una tapa desmontable donde se colocaba el lacre. Algunas veces las bases estaban grabadas con el escudo de armas del propietario para poder así sellar una carta.

Caja de lacre

• Boîte-à-Mouches. Ricamente decoradas y, en apariencia, similares a las cajas de rapé, en su interior contenían pequeños parches de diferentes formas que se aplicaban en la cara las señoras y los caballeros como decoración o incluso para ocultar algunas cicatrices causadas por la viruela.

Boîte-à-Mouches

• Nécessaire. Término que se aplica a una pequeña caja destinada a contener pequeños instrumentos de costura u objetos destinados al aseo personal, como tijeras, pinzas, navajas plegadas y hasta palillos de dientes.

Nécessaire

• Boîte-à-Rouge. Solían presentar en la tapa interior un espejo empotrado y un pequeño cepillo para aplicar colorete.

Boîte-à-Rouge

    Por último os dejo una interesante enlace que cuanto menos o puede resultar curioso: Las cajitas de rapé y su relación con echar un polvo...

El Abanico

La historia del abanico tiene un origen muy remoto, aunque no es hasta la Baja Edad Media cuando se convierte en un accesorio típicamente femenino.

En Europa, a partir del siglo XVI, gracias a la intensificación del comercio con Oriente, se extendió el modelo plegable realizado juntado las varillas con una cinta (abanico brisé) o manteniéndolas unidas según el modelo denominado “de varillas superpuestas”; este tipo de abanico estaba constituido por una superficie (llamada país o paisaje) de papel, tela o piel adornada con las más diversas decoraciones, y se sostenía mediante varillas de diversos materiales.

Su decoración se inspiró en un primer momento en los modelos orientales y, por tanto, para hacer frente al entusiasmo con el que se acogió este accesorio, ya convertido en indispensable, se usaron dibujos y composiciones de los grandes maestros de la época.

En el siglo XVIII, en Francia, se realización ejemplares extremadamente refinados y lujosos, al igual que en Venecia: los países de estos abanicos estaban constituidos por delicadísimas plumas de ave o de piel de cabritilla, mientras las varillas eran de materiales raros como el hueso de ballena, el marfil, el nácar, la concha de tortuga carey o las maderas perfumadas. La decoración pictórica era confiada a auténticos artistas que utilizaban dibujos de los más célebres maestros. Con la Revolución Francesa se inició el declive de los ejemplares más refinados, que dejaron sitio a los más sencillos pero más ilustrados.

Los países de los abanicos del siglo XIX de papel o de tela, llevaban mensajes políticos, de actualidad, panoramas y monumentos. En el mismo período se afirmaron los modelos de encaje recamados o de tul, mientras que a finales del siglo se volvieron a poner de moda los de pluma de avestruz.

Los abanicos de país

Los abanicos así denominados están compuesto por una pantalla plegable (país o paisaje) montada sobre varillas superpuestas, retenidas por una cinta o una clavija. La principal cualidad del país del abanico consiste en que sea fácilmente replegable y sobre todo lo más ligero posible, por lo cual los materiales más adecuados son precisamente los más delicados. 

Los franceses produjeron abanicos de piel de cabritilla, de cisne, de gallina, y de pato. En el siglo XVII tuvieron éxito en toda Europa unos singulares abanicos con países perfumados producidos en Venecia  y en España.

El aspecto más interesante de los países de los abanicos es su extrema versatilidad en la decoración. En efecto, en el siglo XVIII toda dama noble poseía diferentes abanicos par cada ocasión: los de tema bíblico para las funciones religiosas, los elegantes para las citas mundanas, los remilgados para los encuentros galanes, los sencillos y bucólicos para las excursiones al campo, etc. En este período el país del abanico se encerraba en un marco dorado, normalmente muy rico, pintado con purpurina o de pan de oro. Los abanicos más apreciados estaban ilustrados por ambas caras.

Desde finales del siglo XVIII el país del abanico se utilizó para ilustrar mensajes sociales, episodios conmemorativos y de actualidad. Hacia finales de siglo los paisajes, cada vez más realizados en seda, alcanzaron dimensiones considerables.

Abanico de País

Los abanicos Brisés

Los abanicos brisés son modelos plegables formados sólo por varillas, sin distinción entre armazón y país. Por lo que su valor, está en la variedad de elaboración de los materiales utilizados para las varillas.

Los modelos más antiguos provienen de Japón y China, y se diferencian por el número de varillas. Los Chinos pueden llegar a tener entre dieciséis y treinta y seis varillas, pero siempre con un número par, mientras que los japoneses las tienen siempre en un número impar.

Hasta el siglo pasado los abanicos brisés se sujetaban mediante una cinta de seda que los unía en la parte superior, mientras que a la altura del mango las varillas estaban superpuestas y unidas con un clavillo de hueso o de metal.

Durante los siglos XVII y XVIII las varillas eran generalmente de marfil tallado, aunque a menudo se utilizaban materiales más apreciados. En Francia, se utilizaban el carey, los huesos de ballena, las plumas de pájaro, el nácar o las maderas más apreciadas y perfumadas de Oriente. Las varillas, si no estaban talladas, se pintaban con colores al temple, y se les añadían aplicaciones de pan de oro o plata.

En Europa se intentó durante siglos obtener la mítica belleza del lacado chino, pero no fue hasta el XVIII que los franceses Guillaume y Robert Martin desarrollaron un sistema de lacado muy parecido al oriental. Algunos de los abanicos más buscados hoy en día por los coleccionistas han sido acabados justamente con su inconfundible barniz (vernis Martin).

Los abanicos brisés realizados durante el siglo pasado reúnen a veces distintas técnicas de decoración, y presenta formas ricas y fantasiosas a pesar de no tener país; estaban de moda tanto las varillas talladas y luego pintadas, como las de diferentes aplicaciones de papel, tejido, abalorios, perlas o plumas.

Abanico de Brisés

Mantón de Manila

Los mantones de manila originariamente eran fabricados en Cantón (China), se llevaban hasta las Filipinas, donde eran adquiridos y traídos a nuestro país. Se piensa que estos eran traídos por los misioneros como regalos o que empezaron a comerciar con ellos mercaderes españoles.

Un mantón es un pañuelo cuadrado realizado en seda que en un primer momento se utilizaba como cobertor o tapete y a cuyos bordes se añadió con posterioridad un fleco tejido, pasando a formar parte de la indumentaria femenina de manera definitiva en el siglo XIX.

Respecto a los tipos de mantones podemos clasificarlos en:

• Isabelino: Suele estar decorado con aves y elementos florales. Alcanzó su popularidad durante el reinado de Isabel II, aunque fue el primero en llegar a nuestro país.

Mantón Isabelino

•  Mantón de Luto o Jacobiano. Es negro con los bordados en el mismo color, pues surgió cuando elmantón se tiño en señal de luto.

Mantón Jacobiano

• Mantón Chino. Presenta una decoración menuda de carácter narrativo en la que se unen arquitecturas y elementos vegetales y animales con personajes, que pueden llevar sus caras talladas en marfil.

Mantón Chino

•  Mantón de Cigarreras. Se caracteriza por una decoración de rosas que pueden ser cuatro grandes(una en cada esquina) con otros motivos florales alrededor, o bien, cuando son más pequeñas, ocupando todo el mantón.

Mantón de Cigarreras

• Mantón Napolitano. Es aquel en el que la decoración bordada, generalmente vegetal, se distribuye únicamente en un pico o en la mitad de la pieza.

Los mantones presentan unos materiales y unas características en función de la época en la que se confeccionaron:

• 1820-1830. Utilizaban tela fina, cenefas sencillas y flores pequeñas bordadas. Los flecos salen del mantón y son más livianos.
• 1840-1850. Se ensancha la cenefa y la decoración bordada se diversifica con mariposas, letras y escenas chinas. Los flecos miden de 10 a 20 cm.
• 1850-1860. El campo del mantón aparece cuajado de flores y las esquinas se bordan. Flecos de 20cm.
• 1870-fin de siglo. Mantones caracterizados por el horror vacui con dibujos más elaborados que descartan el exotismo floral para disponer de dos esquinas con personajes orientales y pabellones, y las otras dos con aves y flores. Aparición de las caras de marfil. El fleco llega a los 50cm.

Para valorar correctamente un mantón hay que tener en cuenta la finura de la seda, la delicadez del trabajo, la armonía del colorido y el equilibrio de la composición, además de:

• El peso: se considera un buen mantón aquel que pesa desde 3 kilos en adelante.
• La calidad del bordado: los manuales son más valorados, en ellos es casi imposible diferenciar el derecho del revés.
• La superficie bordada y su dificultad: cuanto más amplio sea el campo bordado y más corta la puntada, mejor y más valorado es el resultado.
• El fleco: puede suponer hasta el 40 por ciento del precio final del mantón. Debe ser abundante y los más valorados son los que, siendo finos, no pierden un ápice de su consistencia para lograr una hermosa caída.
• Las dimensiones y, por supuesto, el estado de conservación: mejor grande y en excelente estado de conservación.

Condiciones de conservación. Para mantener un mantón en buenas condiciones hay que seguir una serie de consejos muy sencillos:

•  Guardarlos alejándolos de zonas húmedas.
• No  utilizar plásticos para guardarlos, ya que evitan su transpiración.
• Conviene envolverlos en una tela de algodón y meterlos en una caja sin comprimirlos ni plegarlos.
• Moverlos de vez en cuando.
• Para evitar las polillas en bolsitas introducir alguna hierba aromática de olor intenso perfectamente desecadas, como laurel, tomillo, lavanda,…

Estilos y Períodos de la Europa Mediterranea

En la siguiente entrada del blog nos vamos a centrar en los períodos correspondientes a la Europa Mediterránea, donde se encuadraría España. 

Como se puede apreciar, la mayoría de estilos se corresponden con el esquema general, aunque presentando algunas particularidades, como el Renacimiento, el Manierismo, el Mudejar y el Churrigueresco, que pasamos a explicar brevemente.

El Renacimiento es el período de la historia cultura y artística italiana que se desarrollo durante las primeras décadas del siglo XV y que se propagó rápidamente por toda Europa, siguiendo formas y etapas diferentes. En el ámbito de la decoración, sobre todo en la Toscana, uno de los factores dominantes fue la marcada influencia de la arquitectura, de la que los muebles respetaron el equilibrio de las proporciones, la elegancia de las líneas, la sobriedad y el refinamiento de los elementos ornamentales. Las decoraciones solían consistir en taraceas o bajorrelieves; los motivos, a menudo inspirados en el repertorio clásico, se enriquecían y se complicaban, y en ocasiones llegaban a la superabundancia, especialmente durante el Renacimiento tardío. Uno de los muebles más representativos de la época fue el arcón (casone en Italia), del que todavía se conservan ejemplares de gran valor realizados por algunos talleres artísticos más importantes de Florencia. La madera más usada fue el nogal, que solía utilizarse para realizar toda la estructura de los muebles de valor. Era raro el uso de otras maderas.

 El Manierismo es el término empleado por la crítica para designar el complejo movimiento estilístico de origen italiano y difundido por Europa, que se sitúa entre 1520 aproximadamente y finales del siglo XVI, es decir, entre la culminación del Renacimiento y el prenuncio del Barroco. Se caracteriza por un acentuado esteticismo antinaturalista, por la fuerte tensión formal y la imitación a veces exasperada del estilo (manera, precisamente) de los grandes maestros del Renacimiento. En ebanistería, el gusto manierista se observa en la decoración sobreabundante y extravagante de disimulaba la partición arquitectónica del mueble. Apreciados trabajos en bajorrelieve o de bulto redondo, reproducen grutescos, putti y cariátides insertados en cuerpos monumentales, caracterizando por ejemplo la producción del francés Hugues Sambin, tal vez el más célebre tallador del período.

El Mudejar se utiliza para designar el arte de inspiración musulmana desarrollado en los reinos cristianos de la península Ibérica durante los siglos XI a XVI por artífices musulmanes que habían permanecido en los territorios reconquistados (mudéjares), y también por cristianos. Sus manifestaciones más conocidas pertenecen al ámbito de la arquitectura (por ejemplo el Alcázar de Sevilla, del siglo XIV). También fue importante en las artes decorativas, desde la cerámica y los tejidos hasta las artes de la madera, del metal y del cuero.

El Churriguerismo es una variedad del Barroco tardío surgida en España hacia finales del siglo XVII, dominada por una ornamentación redundante y estilísticamente no homogénea. Su nombre deriva de José Benito Churriguerra, arquitecto y escultor que trabajo en Madrid y Salamanca, artífice, entre otras obras, del retablo del altar mayor del convento de San Esteban de Salamanca.

Estilos y Períodos

Vamos a continuar describiendo brevemente los distintos períodos y características principales de cada periodo  en los que se pueden clasificar el arte y por extensión las antigüedades.

El  Gótico es el estilo nacido en la segunda mitad del siglo XII en las regiones del norte de Francia. Su sello personal, empleado unitariamente y con constancia de lenguaje, caracterizó hasta el siglo XV en toda Europa, el lenguaje de la arquitectura, de las artes figurativas y de las artes aplicadas. 

En el campo de la decoración, los muebles mantienen formas macizas esenciales de la época precedente, manifestando no obstante una mayor linealidad en sentido vertical y un claro predominio de la talla en la decoración, incorporando a menudo motivos vegetales. Las maderas más ampliamente usadas son el roble en las zonas septentrionales y el nogal en las meridionales. 

El Barroco es un estilo artístico de origen italiano, formado a principios del siglo XVII y difundido rápidamente por Europa. Se caracteriza por una decoración excesivamente ornamentada y pomposa, con predominio de las curvas. De este período se encuentran pocos artesanos con una clara personalidad artística debido a que las artes decorativas se vieron directamente influenciadas por los más importantes arquitectos, pintores y escultores de la época. Esto se aprecia claramente en el carácter arquitectónico de la gran mayoría del mobiliario barroco. 

Por otra parte, la cerámica, la plata, etc., recibieron una gran influencia de los escultores y especialmente de Bernini. También se encuentran muebles tallados por escultores, quienes pensaban en ellos como decoración escultórica y no como objetos utilitarios. En el diseño de tapices, la influencia de los pintores como Rubens o Pietro da Cortona se hizo sentir especialmente, e incluso la cerámica y la platería se inspiraron en la pintura contemporánea. A mediados del siglo XVIII se abrió el camino hacia el rococó, aunque es difícil trazar una línea divisoria entre los dos estilos.

El Rococó  es una tendencia artística de la primera mitad del siglo XVIII, que primero surgió en Francia y luego se difundió a otros países de Europa. Esta denominación deriva del término rocalla (que ya se usaba en el siglo XVII para indicar la imitación de formas rocosas para decorar grutas artificiales o pabellones de jardín y que ahora se recuperaba con connotaciones negativas por las contemporáneas corrientes clasicistas). 

La arquitectura rococó fue en relalidad una variación del Barroco tardío que se caracterizó por presentar una gran fluidez y ligereza de las formas además de unas ornamentaciones elegantes basadas en las nervaduras. El refinado hedonismo propio de esta época se expresó de un modo muy particular en la preparación de los interiores, mientras que el artesanado decorativo adquirió un notabilísima importancia por lo que se refiere a los estucados, al mobiliario, a las porcelanas, etc. Se preferían las decoraciones elegantes y fantasiosas, en especial los motivos vegetales, las conchas , las volutas y los rizos.

El  Neoclasicismo  o estilo neoclásico se aplica al estilo antirrococo que comenzó a perfilarse en la década de 1750 y que estaba bien asentado en casi toda Europa al llegar la década de 1770. 

Se caracteriza en las artes decorativas por la tendencia a las formas geométricas simples, al empleo parco de ornamentación arquitectónica griega y romana, la sobriedad en el color y una preferencia por la decoración lineal y plana en lugar de lo escultórico. 

En la Antigüedad clásica se imitó en busca de un estilo más racional y noble que el Rococó, mas que como fin en sí. Aunque entonces se conocían muchos ejemplos del mobiliario griego y romana, era muy poco frecuente que se copiaran directamente antes de la última década del siglo XVIII. 

En América, mueblistas como Badlam y plateros como Revere se inspiraron directamente en modelos y libros de dibujos ingleses. La influencia de R. Adma se difundió, por medio del arquitecto Cameron, hasta San Petersburgo e incluso a la herrería de Tula. 

La influencia francesa en el diseño de muebles prevaleció en Alemania y en Italia, y es evidente incluso en la obra lujosamente decorada de Bonzanigo. Los diseños grabados franceses de Delafosse, Lalonde, Neufforge y otros tuvieron una amplia difusión. Sérves dominó sobre las manufacturas de porcelana alemanas y austriacas  pero desde la década de 1770 éstas y otras fábricas europeas de porcelana se vería fuertemente influidas por las piezas de mesa y decorativas  de sencilla elegancia, que se hacían en Wedwood. 

En Roma empezó a hacerse notar a finales de la década de 1760 una versión un tanto independiente del Neoclasicismo, mucho más atrevida que las de Inglaterra y Francia. Allí, el genio rector fue Piranesi, a través de sus famosas vistas grabas de la antigua Roma, así como de sus diseños de muebles, y el artífice más destacado fue el platero Valadier. Esta Variante enriquecida del estilo fue adoptada por el milanés Albertolli, que publicó planchas grabadas de jugosa ornamentación clásica, y por el notable autor de marqueterías Maggiolini. A Piranesi se debe en gran medida la moda internacional de la égyptiennerie, que fue para el Neoclasismo lo que la chinería había sido para el Rococó. Pero en Francia de comienzos del siglo XIX los  motivos egipcios fueron adoptados por los decoradores por su significación napoleónica, síntoma de la actitud que en poco tiempo transformaría el estilo neoclásico en estilo imperio.

El arte Ecléctico es un estilo que toma rasgos de distintas fuentes y estilos  por lo que se caracteriza por no tener un estilo particular.

El Arts and Crafts  fue un movimiento estético surgido en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XIX, que se propuso resucitar la artesanía y renovar las artes decorativas para evitar la degradación cualitativas y estética de los objetos de uso común como consecuencia de la producción industrial. 

Tuvo sus bases en el pensamiento de William Morris y John Ruskin, quienes criticaron la estética de la industrialización, reivindicando una artesanía de sencillez y pureza medievales a través de la producción de muebles, tejidos (estampados y coloreados a mano), joyas, libros impresos, papeles pintados, etc. 

Sin embargo, el ideal de producir un arte de masas fracaso debido a que los productos tenían que ser forzosamente caros, llegando a crear una artesanía de élite. A pesar de ello, el movimiento es interesante por la gran influencia que ejerció en artesanos, profesionales y propagandistas, siendo el modernismo un claro ejemplo de esta influencia.

El Art Nouveau  (modernismo) es un estilo decorativo que se afirmó en el campo arquitectónico, en la decoración y en las artes aplicadas entres el año 1890 aproximadamente y los años de la Primera Guerra Mundial. 

Está dominado por las línea curva que se desarrolla en entrelazados sinuosos originando refinadas composiciones, normalmente asimétricas, y en ocasiones enriquecida con otros motivos estilizados inspirados en el mundo vegetal (flores, hojas, zarcillos, etc.) o con elegantes figuras femeninas. 

En Francia se le conoce con el nombre de Art Nouveau, por el establecimiento que un comerciante de arte alemán, Samuel Bing, abrió en París en 1895. Esta denominación tuvo una difusión internacional, con soluciones a diferentes países y actualmente tiende a imponerse como designación general o Liberty, el mismo nombre que la empresa londinense, que fue una de las principales promotoras del nuevo gusto. En Alemania se llamó Jugendstil por el nombre de la revista Die Jugend que apoyaba los principios creativos del movimiento.

El Art déco  es un estilo decorativo que se desarrolló entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, y cuyo nombre deriva de la gran exposición internacional de artes decorativas celebrada en Paris en 1925 (Exposition Internacionale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes). 

Retomando algunos elementos propios del Art Nouveau, elaboró un lenguaje original que condicionó significativamente durante veinte años tanto los objetos decorativos como los de uso doméstico. 

Se caracteriza por un singular eclecticismo, que combina elementos estilísticos diferentes pero unificados en la preferencia por las líneas estilizadas y aerodinámicas, por las formas simples y por una decoración con dibujos geométricos y combinaciones cromáticas bastantes estridentes. 

Entró en crisis en las segunda postguerra, pero volvió a ponerse de moda en los años sesenta gracias la creciente interés de los coleccionistas y a la revalorización que de él hicieron los pintores Pop Art.

Definición de Antigüedades

Vamos a empezar este blog definiendo lo que se entiende por antigüedad : objeto que ha alcanzado una edad que le hace testigo del pasado. Por lo tanto es algo subjetivo. Nosotros vamos a considerar a un objeto como antiguo cuando este supere los 100 años, aunque para determinados casos emplearemos un período inferior (50 años) como así consideran la mayoría de las ferias de antigüedades.

En nuestra página web www.antiguedades-antiques.com podrás encontrar todo tipo de antigüedades.